UT5.3 · Diseño de audio en ficción (dramáticos)

El género dramático y sus formatos

El género dramático representa un episodio protagonizado por personajes que se expresan mediante el diálogo. Se asocia al teatro, pero abarca también la literatura, el cine y la televisión.

Formatos de ficción en televisión:

• Teleserie: emisiones semanales o diarias, cada una con unidad argumental propia y continuidad temática.
• Telenovela: una historia en muchos capítulos, no necesariamente realista y de argumento melodramático.
• TV movie: película hecha para televisión, cercana al cine pero con menos presupuesto.
• Telecomedia: comedia con tramas que continúan de un capítulo a otro.
• Teleteatro: adaptación de una obra de teatro, en directo con público o grabada.
• Sitcom (comedia de situación): cada episodio tiene su propio desenlace; risas enlatadas o grabadas en vivo, normalmente en estudio.

Otros formatos: largometraje (entre hora y media y tres horas aproximadamente), mediometraje (unos 30 minutos), cortometraje (duración corta), webserie (para internet, en temporadas y webisodios) y spot (anuncio breve).

La banda sonora

El nombre viene del cine fotoquímico: el sonido iba en una banda óptica junto a las imágenes, en el mismo negativo. Luego convivieron en la película de 35 mm sistemas analógicos (Dolby Stereo, Dolby Surround) y digitales (Dolby Digital, DTS, SDDS). Hoy el cine se distribuye como DCP (archivos digitales encriptados), pero el término se ha quedado.

La banda sonora es todo el sonido de la obra, y se compone de tres grandes categorías:

1. Diálogos: grabados en sonido directo o postsincronizados mediante ADR (Automatic Dialogue Replacement: los actores regraban su texto en estudio sobre la imagen).
2. Efectos:
   • Sala o Foley: los sonidos de la interacción de los personajes con objetos y superficies (pasos, roces de ropa), grabados por artistas Foley.
   • SFX: todo lo que no es voz, música ni Foley (disparos, explosiones, criaturas).
   • Ambientes o atmósferas: transportan al público al lugar de la acción.
3. Música: incidental o extradiegética.

Otros elementos: sonidos de interfaz (en entornos interactivos), group wallas (ADR de multitudes) y locuciones especiales (megafonía, una llamada de teléfono, un noticiario que suena en una televisión de la escena).

Hay una figura dedicada a supervisar toda la banda sonora de la preproducción a la mezcla: el diseñador de sonido.

Las fases de la banda sonora

1. Preproducción. Producción busca financiación, casting, localizaciones y hace el plan de rodaje. El diseñador y el jefe de sonido se incorporan en esta fase y reciben guion literario, guion técnico, desgloses y plan de rodaje. Con ellos el diseñador hace el presupuesto de sonido y lo negocia con el director de producción; el jefe de sonido va a las localizaciones técnicas, las reuniones y las lecturas.
2. Captación. El departamento de sonido directo (o de producción, o sincronizado) registra durante el rodaje, aunque también se capta en postproducción.
3. Edición: organizar y mejorar los archivos brutos: cortar inicios y finales, reducir ruidos.
4. Montaje: combinar archivos solapados en el tiempo sobre la imagen ya montada. El primer paso es sincronizar; la edición de imagen suele entregar el proyecto en OMF o AAF.
5. Musicalización: con la imagen ya cerrada (no se toca ni un fotograma, para que coincidan los golpes de música). Si hay presupuesto, un compositor escribe música a medida (score, música incidental); si no, se usan librerías. Selecciona el supervisor musical (cine) o el ambientador musical (televisión).
6. Procesado: de dinámica, frecuencia y tiempo; correctivo o creativo.
7. Mezcla (mixdown): dar a cada elemento su nivel y su posición espacial según la narración, trabajando por stems (subgrupos). Aquí se hace la banda internacional (M&E): copia con música y efectos pero sin diálogos, para doblar a otros idiomas.
8. Masterización: adaptar la banda al formato de exhibición. En televisión, normalmente estéreo y 5.1; en cine, un DCP, y la mezcla se hace en salas grandes para sonar igual que en una butaca de cine.

El plan de producción es el calendario que fija los plazos de todo, desde la contratación del equipo artístico (cast) y técnico (crew) hasta la fecha de entrega final (deadline).

Sonido directo o de referencia

• Sonido directo: se graba con calidad suficiente para usarlo en la mezcla definitiva. Es lo mejor, pero arriesga más: si no vale por sonido, hay que repetir la toma.
• Sonido de referencia: solo sirve para el montaje de imagen, y luego se sustituye por ADR.

Wildtrack y room tone

• Wildtrack: toma de sonido sin cámara, en el set o la localización. De diálogo (regrabar en un sitio aislado líneas que no quedaron bien), de efectos (pasos, puertas, motores) o de ambiente (discoteca, murmullo). Poco esfuerzo, mucha ayuda en postproducción. Se graban en estéreo y también cualquier sonido especial del lugar.
• Room tone: el ambiente natural de la localización en silencio absoluto de todo el equipo. Sirve para igualar los fondos entre tomas, suavizar transiciones y rellenar lo que se pierde al hacer la banda internacional o un ADR. Se graba en mono y con el mismo micrófono que los diálogos.

La estructura de un rodaje

• Plano: la unidad más pequeña; una acción desde un encuadre.
• Escena: un mismo lugar en un mismo momento; si cambia el tiempo o el espacio, cambia la escena.
• Secuencia: varias escenas que forman una parte de la historia.
• Toma: cada grabación de una misma escena; en montaje se elige una.

Documentación

• Guion literario: el texto completo, en el orden de la historia. Cada escena se encabeza en mayúsculas con INTERIOR/EXTERIOR, localización y DÍA/NOCHE.
• Guion técnico: la adaptación del realizador, troceada en secuencias y planos, con encuadres, cámara, sonido, playbacks, iluminación y vestuario.
• Desgloses: uno por jornada de rodaje; el de producción incluye citaciones y horarios.
• Plan de rodaje (stripboard), hojas de desglose (script breakdown) con las necesidades de cada departamento y orden de rodaje (call sheet) de cada jornada.
• Storyboard (guion gráfico): ilustraciones en secuencia que previsualizan la película.

El raccord

Como se rueda desordenado respecto al guion, hay que mantener la continuidad para que el espectador no note saltos: el raccord. Lo hay de vestuario y decorado, de iluminación, de interpretación y también de sonido: nivel de los micrófonos, ecualización y dinámica y sensación espacial. Quien lo vigila es el script (continuista).

Con quién tiene que entenderse el sonido

Director de fotografía (ilumina y decide ópticas y encuadre), operador de cámara, video assist (graba cámaras y audio de referencia y da señal a los monitores del set), script, decorador, atrezzista (a menudo indispensable para esconder micrófonos), vestuario, maquillaje y peluquería (clave para ocultar los inalámbricos). Varios de ellos necesitan escucha continua del sonido.

Planos sonoros en ficción

Sitúan cada sonido en cuatro dimensiones:

• Espacial: dónde estamos (campanas: una iglesia cerca; tráfico y pájaros: un exterior).
• Temporal: cuándo (música barroca: una época pasada).
• De intención: introspección, sueño o fantasía (un arpa: una ensoñación).
• De presencia: la distancia, equivalente a los planos visuales:
  • Primerísimo primer plano: la fuente pegada al micrófono (un susurro nítido).
  • Primer plano: una persona hablando cerca.
  • Plano medio: algo más lejos pero inteligible; hay reflexiones, pero predomina el sonido directo.
  • Plano general: lejos, predomina el sonido reflejado.

Los planos de presencia se usan sobre todo en cine. En televisión se abusa del primer plano buscando la máxima inteligibilidad, se usa más el inalámbrico que la pértiga y a veces se prescinde del ambiente, lo que hace más difícil percibir los cambios de escena.

• Con pértiga: el micrófono a la distancia que corresponde al plano (hay que conocer el objetivo y el encuadre), con su eje apuntando a la boca y en el borde del encuadre, lo más cerca que permita la cámara sin entrar.
• Sin pértiga: lavaliers ocultos en primer término y los planos se construyen después sumando ambiente de la sala y procesado (reverberación, primeras reflexiones).

El equipo de sonido en un rodaje

Los micrófonos no pueden verse, y el equipo tiene que ser invisible e inaudible.

• Jefe de sonido: llega el primero, monta el carro de sonido, decide micrófonos, graba y cuida que el diálogo salga limpio. Da escucha al combo (director, script, productores) con distribuidores de cascos. Está pendiente del 1.er ayudante de dirección y del director de fotografía, hace los partes de sonido de cada archivo (fecha, localización, secuencia, plano, toma, muestreo), entrega al DIT los archivos de cada jornada y al final hace copias de seguridad para postproducción.
• Pertiguista (boom operator): sin un buen pertiguista no hay buen sonido. No puede generar sombras ni meter la pértiga en plano, y tiene que mantener el micrófono orientado a la boca del actor que habla y a distancia constante, también en movimiento. ⚠️ Un micrófono fuera de eje no tiene arreglo en postproducción.
• Auxiliar de sonido (cableman): ayuda a los dos, lleva la segunda pértiga y domina los inalámbricos, coordinándose con vestuario y peluquería para ocultar cápsulas y petacas.
• Técnico de playback: en musicales, reproduce las canciones en el set; tiene que leer partitura para detectar fallos.

El equipamiento

• Micrófono de cañón (shotgun): de condensador (sensible y con buena respuesta) y cardioide, supercardioide o hipercardioide, con suspensión elástica y protección de viento: peluche o zeppelin (antiviento rígido). Un clásico es el Sennheiser MKH 416, que necesita phantom de 48 V (si no hay mezclador, un alimentador externo).
• Pértiga (boom pole): ligera, extensible en secciones, con el cable enrollado o interno. Para cubrir distancias grandes sentado, la jirafa, con poleas y contrapesos, que orienta el micrófono 360° y cambia la distancia en segundos.
• Transmisores inalámbricos para cañón: movilidad sin cables, a cambio de algo de peso.
• Lavaliers inalámbricos: la solución cuando la pértiga no puede llegar o hay mucho ruido de fondo, y una salvaguarda porque asegura tener todas las fuentes. Cápsulas pequeñas y normalmente omnidireccionales; algunos capuchones permiten realzar los agudos en torno a 15 kHz. Al ocultarlos hay que evitar roces, ruido de cable, soplidos y ruido de radiofrecuencia, y que no se vea ni el cable ni la petaca (bolsas de tela, cinta adhesiva de doble cara, adaptadores; también en el pelo, con peluquería, o con maquillaje si no hay ropa).
• Grabación multipista: al menos tantas pistas como micrófonos, en grabadores de campo digitales sin compresión (archivos BWF) o portátiles.
• Intercom inalámbrica para que los microfonistas oigan las órdenes y su propia pértiga, con auriculares cerrados y circumaurales.
• Claqueta: dos planchas con bisagra donde se anotan producción, escena, plano y toma. Sigue siendo la forma más eficaz de sincronizar: se busca el golpe en el audio y se alinea con el cierre de las palas. Hay claquetas electrónicas que envían código de tiempo, pero el golpe se sigue grabando. Casos especiales: claqueta final (al final de la toma, para no desconcentrar a un actor) y toma sin sonido (se mete la mano entre las palas para que no suenen).
• Acondicionamiento acústico del set: alfombras, fieltros y paneles para aislar, y controlar el ruido del propio equipo.